Michel Piccoli est apparu dans plus de 200 films depuis 1949. Après des débuts au théâtre, on le remarque dans les années 1950 avant qu'il ne s’impose définitivement la décennie suivante. Buñuel notamment lui restera fidèle dans de nombreux films. Godard lui confie un des rôles principaux du Mépris. Il devient le modèle de l’homme mûr dans des rôles pourtant différents, invente des personnages où, derrière une apparente quiétude, se cache le vertige de la folie. Il compose par ailleurs, chez les grands poètes du cinéma contemporain (Manoel de Oliveira, Leos Carax), des figures inoubliables et incroyablement diverses. Michel Piccoli a aussi réalisé trois longs métrages particulièrement originaux.
Bernardo Bertolucci a été un des plus importants représentants d’une génération de jeunes gens en colère qui débute au cinéma dans les années 1960 en Italie. Tentation théorique (confronter Marx et Freud) et tentation esthétique (une fascination pour l’opéra) s’affrontent au coeur d’une oeuvre qui adapte Borges ou Moravia. Les rapports entre le sexe et la société sont au coeur de son énorme succès, Le Dernier Tango à Paris (1972). Il poursuit son travail avec d’ambitieuses fresques qui s’éloignent de l’Europe, où il reviendra dans les années 2000, retrouvant ses obsessions premières. La Cinémathèque présentera à l'occasion de cet hommage le dernier film de Bernardo Bertolucci, Moi&Toi (Io e te) en avant-première.
Un serpent qui se transforme en belle jeune fille, un monstre hideux qui cache un prince, une fée qui d'un coup de baguette magique change une citrouille en carrosse... Les contes sont peuplés de métamorphoses, ce que le cinéma s'est empressé d'explorer : transformations par substitution chez Méliès, maquillages incroyables de Jean Marais dans La belle et la bête de Jean Cocteau, effets spéciaux délicieusement horribles de Beetlejuice. toute la palette des déformations possibles (grossissements, miniaturisations, ralentis, accélérés, images de synthèse...) nous rappelle les liens entre la magie et le cinéma, cette merveilleuse machine à transformer la réalité !
L’exposition sera l’occasion de montrer des fonds collectés grâce à la politique d’acquisition de La Cinémathèque et à la générosité de donateurs. Elle dévoilera des affiches, scénarios, correspondances, ouvrages précieux, dessins, photographies de plateau et de tournage, ou encore des costumes et objets. Les collections témoignent aussi des activités de critique de Jean Cocteau, et de son implication dans diverses manifestations d’importance, notamment le Festival de Cannes dont il fut à plusieurs reprises président du jury avant d’en être nommé président d’honneur.
A l'occasion du cinquantenaire de la mort de Jean Cocteau, et dans le cadre de l'exposition que lui consacre La Cinémathèque française, cette rétrospective s'accompagne de la sortie en version restaurée de La Belle et la Bête. Génie polymorphe et artiste touche-à-tout, Jean Cocteau s’est toujours intéressé au cinéma qu’il a servi de différentes manières comme scénariste, cinéaste ou acteur. Il s’agira de tracer, à l’aide d’une programmation, le parcours d’un poète qui a écrit ou adapté de nombreux récits pour le grand écran, a fait adapter ou adapté lui-même certaines de ses oeuvres, a signé enfin comme réalisateur un certain nombre de titres parmi les plus singuliers et les plus forts de l’histoire du cinéma français, réussissant la synthèse supposée impossible du cinéma et de la poésie.
Leur premier film Blood Simple, en 1984, était une relecture habile, inspirée et subtile du film noir. Ils ont, depuis, construit une oeuvre importante, à l’apparente diversité qui interroge, entre autres, l’histoire et la culture américaine moderne tout en effleurant une dimension métaphysique, s’attaquant à la question des racines de la judéité et de la notion philosophique d’éthique, souvent avec un humour irrésistible et grinçant fonctionnant parfois sur des logiques cauchemardesques. La Cinémathèque présentera à l'occasion de cet hommage le dernier film des frères Coen, Inside Llewyn Davis, en avant-première.
Une coproduction du Centre de Cultura Contemporània, Barcelone, de La Cinémathèque française, Paris, du Palazzo delle Esposizioni, Rome, et du Martin-Gropius-Bau, Berlin. Cinéaste de premier ordre, Pier Paolo Pasolini fut aussi poète, linguiste, romancier, dramaturge, peintre intimiste et homme engagé. Il fut l’un des intellectuels les plus actifs et l’un des personnages les plus controversés de la société italienne d’après-guerre. Approcher Pasolini dans ses rapports avec la ville de Rome, c’est entrer de plain-pied dans tout ce qui le constitue et le définit : la poésie, la politique, le sexe, l’amitié, le cinéma.
D'Accattone à Salò, Pasolini a construit une œuvre incandescente et radicale, témoignant d'une quête exigeante et scandaleuse, dévoilant les illusions des utopies mortifères et des fausses critiques de la société contemporaine. Avec aussi : un spectacle, une lecture, une journée d'études et des présentations de séances. En parallèle, et aux même dates, rétrospectives "Pasolini scénariste" et "Autour de Pasolini".
En partenariat avec Marseille Provence 2013 - Venu du théâtre, il réalise son premier film en 1965, La Vieille Dame indigne d'après Bertolt Brecht, récit d'une inattendue émancipation. Il continuera ensuite un cinéma marqué par les théories de Brecht et délibérément conçu comme une critique de l'aliénation quotidienne. Il questionne l'Histoire avec des moyens formés par les nouvelles grilles épistémologiques de l'époque. René Allio est l'auteur d'un cinéma politique à la fois doux et sans concession.
A l'occasion de l'Exposition Raymond Depardon : Un moment si doux au Grand Palais (14 novembre 2013-10 février 2014). Grand photographe venu du journalisme, Raymond Depardon est l'auteur d'une œuvre cinématographique, essentiellement documentaire, à quelques exceptions près, et très originale. Mêlant les vertus du cinéma direct avec l'énergie de la recherche journalistique, il a su approcher diverses réalités, celle de la politique et des institutions, celles du journalisme, celle de la France rurale.
Un programme dense, cinéphile et éclectique de projections de films restaurés, mais aussi cette année de copies rares. Master-class, conférences, ciné-concerts exceptionnels, ateliers ou séances pour les plus jeunes seront également au rendez-vous. Dédié à la découverte des films du passé, le festival Toute la mémoire du monde repousse les limites de notre connaissance du cinéma et permet de renouveler le regard que nous portons sur lui. Au programme notamment pour cette seconde édition : Raj Kapoor, le Showman ; couleurs du cinéma muet ; un hommage à la Cinémathèque de Bologne ; et des restaurations et incunables.
Venu de la critique, João César Monteiro réalise son premier long métrage en 1968. Ses premiers films abordent de façon distanciée des contes tirés du folklore portugais. À partir de Souvenirs de la maison jaune en 1987, il invente le personnage (qu’il incarne à l’écran) de Jean de Dieu, dandy misanthrope et érotomane, héros d’une série de comédies grinçantes, allégoriques et désespérées. Son oeuvre est celle d’un véritable poète fin-de-siècle.
Le modèle du grand classique hollywoodien, solide et versatile. Henry Hathaway débute en réalisant des petits wes terns de série B pour la Paramount au début des années 1930. Il devient, plus tard, un spécialiste des récits d’aventure, avec un sens inouï de l’épopée tout autant que de la violence pure. Sous contrat à la Twentieth Century Fox, il y réalise d’âpres films noirs et des westerns d’une sèche brutalité. Son solide métier, son sens de l’action lui font réussir, de façon surprenante, d’inattendus projets et lui feront suivre l'évolution du cinéma hollywoodien jusqu’à inscrire, dans certains de ses derniers films, une forme de mélancolie crépusculaire.
À l’occasion de la sortie en salles de ses deux derniers films, Je ne suis pas morte et L’Enclos du temps, on pourra revoir l’oeuvre unique de Jean-Charles Fitoussi. Ancien assistant de Jean-Marie Straub et Danièle Huillet, Fitoussi réalise avec son premier long métrage une originale et poétique adaptation d’une nouvelle de Marcel Aymé. Il est également l’auteur de courts métrages. Son oeuvre injecte subtilement des éléments fantastiques dans le réalisme le plus évident, tout en exaltant philosophiquement le hasard et la vie.
Comment vivent les enfants dans les villes, à travers le monde ? A quoi jouaient-ils dans les rues de Porto, dans les années 1940 ? Quand les enfants de la campagne viennent à la ville, quelles sont leurs premières surprises ? Tous les mercredis et dimanches une programmation de films pour découvrir les villes avec le regard des enfants.
En coproduction avec La Cinémathèque suisse, Le Musée de L’Elysée Lausanne et Galeries, Bruxelles Cette exposition est imaginée comme un voyage poétique dans les archives d’Amos Gitai, récemment données à La Cinémathèque française. Ce fonds d'archives, riche et hétérogène, est constitué de nombreux originaux qui seront présentés pour la première fois dans une exposition. Documents papier, photographies, documents audiovisuels et sonores, documents artistiques rares feront écho aux extraits de films diffusés dans la galerie d’exposition. Ces archives dévoileront de nombreux thèmes chers à l’artiste : les frontières, les friches, l’architecture, la langue et l’écriture, l’Histoire et la mythologie, la sensualité…
Amos Gitai commence par réaliser des documentaires après avoir participé à la guerre du Kippour. Il entreprend une description critique de la société et de l’histoire d’Israël. Il poursuivra ce travail analytique dans de films de fictions. Le souffle de l’histoire, la lucidité de l’observateur engagé se mêlent à une approche inspirée des théories de Brecht.
Jean Epstein, cinéaste au «visage en forme de losange», est resté longtemps méconnu. Peut-être en raison de la diversité de son oeuvre déroutante, inclassable. Il fut tour à tour auteur d'avant-garde, de films d'art et d'essai, de « blockbusters » ou de fictions maritimes documentées. La rétrospective des films de Jean Epstein sera l’occasion de présenter de nombreuses restaurations récentes, entreprises par la Cinémathèque française entre 2009 et 2013, ainsi qu'une édition DVD en coproduction La Cinémathèque française - Potemkine Films.
En partenariat avec Carlotta films Un des grands maitres du cinéma japonais. Découvert tardivement en France, Yasujiro Ozu débute en 1927, et passe l’essentiel de sa carrière à la Shoshiku. Il est l’auteur d’une oeuvre élégiaque, d’une universalité qui dépasse les particularismes culturels, abordant les rapports entre la société et l’individu, entre l’individu et la famille, les relations entre générations. En mettant en place un système formel aussi doux qu’implacable, au service d’une mise en scène épurée, Ozu a construit une oeuvre d’une beauté et d’une émotion inégalées.
A l'occasion de l'événement "Centenaire Henri Langlois 2014", et sous l'égide d'un Comité d'Honneur composé de cinéastes et d’artistes français et étrangers, constitué sous le Haut Patronage de François Hollande, Président de la République française. Henri Langlois fut un personnage savant et pittoresque, intempestif et opiniâtre, à l’instar des autres figures géniales qui au XXème siècle mêlèrent l’extravagance de leurs projets à celle de leur comportement. L’homme présente plusieurs facettes qui seront les étapes du parcours de l’exposition et éclaireront sa vive sensibilité à l’égard des autres disciplines de création. C’est dire ainsi le parti pris d’une exposition qui confrontera l’art du cinéma et les autres arts.
On y verra des films qui eurent de l’importance dans le parcours du fondateur de La Cinémathèque française. On pourra déduire, par ailleurs, de cette programmation, le goût particulier et le rapport indiscutablement personnel, loin de toute école, qu’il entretenait avec le cinéma.
En partenariat avec l’Afc - Association Française des directeurs de la photographie Cinématographique. Formée à l’IDHEC, Caroline Champetier intègre l’équipe du directeur de la photographie, William Lubtschansky avec qui elle travaillera neuf ans. Elle débute avec Jean-Luc Godard puis sera fréquemment demandée par de nombreux cinéastes comme Jacques Doillon, Philippe Garrel, Benoit Jacquot, Xavier Beauvois. Une rétrospective de son travail permettra d’en saisir à la fois la singularité et une manière de faire advenir un nouveau s tyle dans le cinéma d’auteur contemporain confronté aujourd’hui au défi numérique.
Première apparition du petit homme en 1914... Des centaines de courts-métrages et quelques longs-métrages plus tard, celui qu’en France on nommera Charlot est devenu l’une des figures les plus importantes de l ’histoire du cinéma. Un cycle pour accueillir tout Charlot, dans les films réalisés par Chaplin mais aussi dans les films qui lui font un clin d’oeil.
A l'occasion de l'année France-Vietnam La Cinémathèque proposera un panorama du cinéma vietnamien, dessinant l’histoire d’une cinématographie mal connue, entre films d’intervention politique et fictions populaires. Une cinématographie qui commence à s’ouvrir aux coproductions internationales.
A l’occasion de l’Exposition "Soudain la guerre : l’été 14", à la BNF (25 mars - 20 juillet 2014). Pour commémorer le centenaire du déclenchement de la Première Guerre mondiale, La Cinémathèque proposera, avec la collaboration de Laurent Veray, historien du cinéma, une programmation déclinée selon trois principes : la guerre vue par le cinéma de fiction (de 1914 à nos jours), la production cinématographique de l’année 1914, les images d’archives du conflit.
En même temps qu’une Conférence du Conservatoire des techniques cinématographiques consacrée au 70 mm, une programmation de films projetés selon ce format permettra de voir ou revoir des oeuvres dont le caractère monumental appelait une spectaculaire précision picturale et sonore. Une précision que permettait le 70 mm.
Guy Gilles est l’auteur d’un cinéma secret, discret. La fuite du temps, la rêverie adolescente, une douce mélancolie onirique sont des thèmes et des motifs qui figurent dans l'ensemble de son oeuvre.
La carrière de Phil Karlson débute en 1944. S’il a touché à plusieurs genres, c’est dans le film noir à petit budget qu’il s’illustre particulièrement. Son oeuvre mêle la précision réaliste avec une stylisation formelle hantée par une forme de noirceur. Karlson signera jusque dans les années 1970, bien après la vogue du film noir, de remarquables récits policiers, ancrés dans la réalité sociale américaine.
Une carrière prolifique construite sous le règne de la politique des genres des grands studios japonais. Kinji Fukasaku s’est d’abord affirmé comme le spécialiste du film de yakusas, dès le début des années 1960. La décennie suivante, il réalise des oeuvres qui constitueront une véritable relecture critique où seront brocardées les mythologies traditionnelles. Sa mise en scène, souvent spectaculaire, est au service de la peinture d’un univers chaotique, dénué de règles, métaphore du capitalisme moderne. Fukasaku s’est par ailleurs illustré dans le cinéma dit de sabre et la science-fiction.
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